Além da Escuridão - Star Trek (Análise e Crítica)

Com tudo isso, tem-se ao final a sensação de que o filme é sim feito para o grande público, até por uma questão de arrecadação, mas que não deixou de se respeitar os fãs antigos da série – que, no meu ponto de vista, é a audiência que realmente tem de ser mais valorizada.

Não há nada que agrade mais a um fã de uma série ou filme considerado cult do que ver a sua obra querida atualizada para a hodiernidade e os seus elementos cruciais continuarem preservados lá. Isso é exatamente o que acontece quando se assiste a “Star Trek – Além da Escuridão”, continuação do bem-estruturado reboot de 2009, também competentemente dirigido por J. J. Abrams.

E o desafio do diretor não parou nisso. Sabe-se que a saga estrelada pelo Capitão Kirk e seu fiel escudeiro Spock nunca foi uma fonte muito rentável nos cinemas. Com sua narrativa lenta e mitologia abrangente, a linguagem dos longas-metragens se assemelhava basicamente às dos seriados de televisão. Além disso, dos seis projetos com a tripulação original, alguns desagradaram aos fãs e foram mal nas bilheterias. Assim, a Abrams foi destinada uma missão nada fácil: atualizar a mitologia para o cinema-pipoca atual, respeitá-la, agradar aos mais exigentes e ainda conquistar novo público  para se fazer dinheiro.

E ele conseguiu. Além do investimento em ótimos efeitos especiais e do trabalho no desenvolvimento dos personagens e das relações entre eles, o diretor apostou forte no movimento. Sem empolgantes sequências de ação não há como um filme desse gênero sobreviver no mercado. De maneira inteligente, é assim que ele decide abrir este segundo episódio, quando a tripulação comandada por Kirk (Chris Pine) explora um mundo preste a terminar por conta de uma grandiosa erupção vulcânica. Logicamente, todos conseguem evitar o pior, porém, para salvar a vida de Spock (Zachary Quinto), Kirk quebra um protocolo importante e se vê destituído do comando da Enterprise.

A partir de então, as fortes relações entre os personagens se desenrolam e diálogos perspicazes afloram com pitadas ora sutis e ora sarcásticas de humor. A máxima de que um bom diretor consegue fazer o trivial, mas que o competente é capaz de tirar o melhor de seus atores, é verdadeira. Um exemplo disso está na atuação de Pine, cuja performance está mais natural e espontânea. Inclusive, nas cenas de maior dramaticidade, não decepciona e prova ser mais que apenas um rostinho bonito na tela. Menos sério que no primeiro capítulo, aqui ele mantém mais as características do personagem clássico, imortalizado por William Shatner: apesar do ego inflamado e certa prepotência, demonstra grande senso de justiça e humanidade.

Entretanto, duas presenças se destacam mais na película. No lado dos mocinhos, Quinto rouba todas as cenas em que aparece. Sua fala rápida e suas expressões igualmente imparciais são responsáveis pelos momentos mais divertidos. Mesmo assim, o envolvimento amoroso do vulcano com a sexy Uhura (Zoe Saldana) e o companheirismo para com o Capitão começam a dar ao alienígena noções de humanidade – sentimentos, emoções e sensações –, o que de certa forma não deixa de ser um olhar otimista quanto ao ser humano: ainda somos capazes de sensibilizar o outro e transformá-lo em algo melhor. De quebra, ainda se reserva uma grande surpresa para os mais nostálgicos. Se disser, se perderá a graça.

Em contrapartida, o lado vilanesco é magistralmente representado por Benedict Cumberbatch, jovem ator desconhecido do grande público, mas de grande talento e currículo. Sob a identidade civil de John Harrison, seu timbre gravíssimo e caracterização enigmática conferem ao personagem mistério tal, que o espectador durante todo o tempo se vê desconfiado de suas verdadeiras intenções – mesmo já tendo em vista qual seja a real.

Fora isso, o personagem é muito interessante por, dependendo da forma como se analisa, ele não ser um vilão tradicional. Embora sua motivação possa ser considerada torpe, por querer se vingar por conta de uma traição sofrida, essa postura poderia não ser tão mal-interpretada se exercida pelos agentes do bem da trama. Devido a um dado evento, Spock também decidiu se vingar e quase matou seu oponente, e mesmo assim não foi visto como antagonista. Ou seja: existem dois pesos e duas medidas para a vingança? Por que a mesma pode ser considerada tanto fraqueza como heroísmo? Ao destruir o planeta que matou seu povo, não seria considerado certo fazer o mesmo caso matassem terráqueos? O filme, nas palavras do malvado, levanta essa discussão e acaba, por consequência, debatendo sobre as formas de ver a justiça.

E outra surpresa para os saudosos: o vilão de Cumberbatch é uma releitura de outro tido como um dos melhores – senão O melhor –, presente em um dos filmes protagonizados pela tripulação clássica. Mais uma razão para assistir!

O único porém fica a cargo do título. Para ser mais preciso, do subtítulo. Coeso ao original em inglês, apesar de a Terra estar sob uma grande ameaça a atmosfera geral do filme não remete a uma “escuridão” ou a mesmo algo tão sombrio – talvez devido ao vilão não vir tão tradicional quanto. Não havendo tanta escuridão assim, ir “além da” mesma é uma hipérbole sensacionalista a serviço de um maior chamariz para o longa. Mesmo com todo o brilhante trabalho do lado antagônico da força, senti que faltou ao contexto algo de fato tenebroso.

Com tudo isso, tem-se ao final a sensação de que o filme é sim feito para o grande público, até por uma questão de arrecadação, mas que não deixou de se respeitar os fãs antigos da série – que, no meu ponto de vista, é a audiência que realmente tem de ser mais valorizada. Assim, mesmo ficando sem o gostinho das surpresas e referências à mitologia clássica, não é necessário ver as produções anteriores, pois o filme é “redondo” e se encerra em si próprio. A versão em 3D é recomendadíssima: além da interatividade, a profundidade é bem explorada, as texturas criam planos diversos na mesma imagem que, apesar de tudo, não cansam os olhos por também a tecnologia não ser explorada a esmo. Até nisso o bom senso prevaleceu.

Fica agora a grande preocupação quanto ao destino da série no cinema, visto que J. J. Abrams foi contratado para comandar o sétimo capítulo de Star Wars, mitologia da qual o diretor sempre assumiu ser verdadeiramente fã. Embora “rivais” por apresentarem projetos muito semelhantes, ambas seguiram caminhos midiáticos bastante diferentes. Enquanto Trek se consagrou nas cinco séries televisivas e nos três primeiros dos dez longas, Wars arrecadou altas cifras nos cinemas e produtos licenciados, além de uma série animada televisiva de bastante sucesso. Mediante isso, é esperar o que o futuro da sétima arte reserva para Trek e seus admiradores...

Nota: 8,5.

Guerra Mundial Z (Análise e Crítica)

Desagradando talvez uma audiência que esperava por sangue e crânios dilacerados, o filme se mostra um entretenimento com história coerente e capaz de tramitar em diversos gêneros, como suspense, ação, drama e até humor

A princípio, qualquer pessoa pode ser levada a imaginar que “Guerra Mundial Z” se trata de mais uma produção oportunista que se agarrou ao filão dos zumbis, os quais voltaram aos holofotes em 2010, quando a série televisiva “The Walking Dead” estreou com altos índices e a partir de então vem se consagrando e tornando referência para o gênero. Porém, já com menos de 10 minutos de exibição, a película mostra a que veio: tentar elevar a mitologia dos mortos-vivos a um novo nível na sétima arte.

Dirigido por Marc Foster, o longa parte de uma premissa um tanto batida: uma pandemia, cuja origem é desconhecida, se espalha e traz caos a toda população mundial. Infectado, o indivíduo leva apenas 12 segundos para se tornar raivoso e detentor de um único desejo – a fome insaciável por carne humana saudável. Já com cidades inteiras tombadas, Gerry Lane (Brad Pitt), um ex-militar, é obrigado a entrar em campo para buscar uma possível cura ao problema, caso contrário sua família não receberá mais asilo. Até que, graças a observações feitas em diversos ataques, ele acha uma solução. Mas, para tal, terá de atravessar o globo infestado pela doença.

O que distingue “Guerra Mundial Z” de outras películas do mesmo tocante é o foco: o que se privilegia são as relações humanas e o espírito de sobrevivência, e não precisamente as aberrações. A prova disso é que sua fisionomia só é apresentada com mais detalhes no último [e melhor] ato, pois até então câmeras nervosas, filmagens distantes e ambientes escuros anuviavam a visão do espectador. É claro que existem aquelas sequências de fuga em diferentes momentos, cuja intenção maior é promover o suspense e a ação que dar alguma dramaticidade à história.

Como todo blockbuster que se preze, o roteiro apresenta situações mal estruturadas – como a sequência irreal de fatos na queda de um avião –, mas que não chegam a prejudicar tanto a totalidade da obra. E, por falar em sequências, todas elas são incríveis! Os mais de US$ 200 milhões de orçamento foram investidos em efeitos de primeira qualidade e na medida certa. Apesar da magnitude dos episódios narrados, os efeitos não soam exagerados tampouco desnecessários. O 3D fica devendo em alguns aspectos, mas cria uma atmosfera interessante de tensão por causa da proximidade, um recurso bastante explorado. Quem senta nas primeiras fileiras talvez aproveite melhor o programa.

A linguagem é outro grande mérito, devido à opção pela objetividade. Sem meias palavras ou tantos porquês, as informações chegam rápido ao público, que pode perceber na trama temas como globalização, questões ambientais, o poder midiático, política internacional, entre outros. Mesmo de maneira rasa, o filme cutuca e de alguma forma reflete acerca desses tópicos tão atuais.

Quanto ao elenco, todos estão igualmente bem em seus papéis. Lógico que o destaque cai sobre Pitt, que não decepciona mas também não chega a roubar as cenas. Apenas uma boa atuação. Mesmo fazendo a linha do “exército de um homem só”, acertaram em colocar personagens secundários que também chamaram para si a responsabilidade junto o herói. Um bom exemplo é o da atriz Lucy Aharish, que interpreta uma jovem soldada palestina. Na cena em que Lane cuida de seus ferimentos oriundos de uma mutilação para não se infectar, o grau de realismo é tanto que podemos sentir a dor da personagem.

Desagradando talvez uma audiência que esperava por sangue e crânios dilacerados, o filme se mostra um entretenimento com história coerente e capaz de tramitar em diversos gêneros, como suspense, ação, drama e até humor. E por que elevou as obras sobre zumbis? Embora também lançando mão de alguns clichês, tira, assim como “Meu Namorado É Um Zumbi”, um pouco a mitologia dos mortos-vivos de um acomodado lugar-comum, tanto explorado nos anos 1980, a fim de modernizá-la e colocar nela elementos atuais, e assim humanizando (apesar de parecer paradoxal) a situação. É o que “The Walking Dead” vem se propondo a fazer, só que em outra mídia. Quem curtiu “Eu Sou A Lenda” e “Guerra dos Mundos” possivelmente vai gostar também desta obra.

Por causa da boa aceitação, já foi dado sinal verde para a continuação, que se transformará mais tarde numa trilogia. Bem típico de Hollywood mesmo!

Nota: 7,5.

O Cavaleiro Solitário (Análise e Crítica)

Mais uma vez a nona arte serve de inspiração para a sétima e empresta um de seus personagens icônicos para ser retratado nas grandes telas. Trata-se agora do Cavaleiro Solitário (The Lone Ranger, no original) muitas vezes propositalmente confundido no Brasil com o Zorro. Originário de um programa de rádio em 1933, o cowboy  justiceiro ganhou as páginas das HQs uma década e meia depois, mídia que ainda mais o popularizou,  rendendo-lhe, inclusive, uma série televisiva de grande sucesso no ano seguinte.

Aproveitando-se desse filão de adaptações bem-sucedidas de personagens dos quadrinhos, a Disney não economizou e apostou alto na produção. O resultado, como não poderia deixar de ser diferente, salta aos olhos – e também aos ouvidos. Dentre os diversos elementos em uma obra cinematográfica, nesta diversos se destacam pela excelência na qualidade. Começando pela fotografia incrível – que consegue captar o espírito do filme e do Velho Oeste através do jogo de luzes e das lindas paisagens, passando ainda pela exuberante cenografia – que reconstrói com total realidade aquelas cidades bem típicas que conhecemos e se mostra impecável, tão quanto o figurino – bastante característico e adequado a cada personagem.

O deslumbramento não se contém apenas aos olhos. O som e a trilha sonora também dão um show à parte. Quanto a esta, composta pelo calibrado Hans Zimmer, ainda presta homenagem ao seriado clássico, modernizando a inesquecível trilha sonora do personagem. A sincronia entre imagem e áudio é bem harmônica, e o espectador não se sente incomodado pela presença deste, principalmente nas cenas de ação, que ainda ganham maior dramaticidade sem necessariamente apresentar um prisma sombrio à trama.

A princípio, a narrativa é muito simples. Ao voltar para sua antiga cidade já formado como advogado, John Reid (Armie Hammer) procura com seus novos conhecimentos promover maior justiça ao lugar. Mas logo se vê no meio de uma guerra de interesses entre índios e magnatas e acaba perdendo seu irmão, que se casou com a antiga paixão que John havia deixado para trás – Rebecca Reid (Ruth Wilson). Dado também como morto, o novo herói é “trazido à vida” pelo índio Tonto (Johnny Depp), que se torna um misto de mestre e escudeiro, mas que também possui os seus segredos e fomenta uma vingança contra os ambiciosos que, anos antes, mataram toda sua tribo.

Como se vê, não existem dificuldades para se compreender a história. E essa é a principal razão para não se entender o motivo pelo qual o filme dura 140 minutos. Desconsiderando o fato de o personagem não ser muito conhecido do público jovem – maior consumidor deste tipo de entretenimento –, essa pode ser uma possível razão para o fracasso da bilheteria norte-americana já na primeira semana. Se retirados pelo menos 20 minutos, se ganharia maior dinamismo, algo essencial no sucesso de um blockbuster. Em diversos momentos, a trama se arrasta em diálogos nem tão originais e desperta um certo marasmo.

Essa falha do roteiro é um pouco compensada por uma espécie de metalinguagem debochada, em que os próprios personagens se perguntam acerca de uma situação absurda não explicada pelo próprio roteiro, que apresenta seus furos, previsibilidades e clichês. Essas intervenções trazem fôlego e humor (oras pastelão), em um filme que por vezes se mostra sério demais, já que aborda temas como ética na política e sentidos de justiça. Entretanto, fica clara que não há intenção de se discutir ou debater sobre isso, posto que as reflexões vindas dos próprios protagonistas são baseadas naquilo que deles já esperamos, o que deixa superficial qualquer tentativa de fazê-lo.

As atuações não decepcionam de todo, mas também em nada surpreendem. O galã da vez está bem em seu papel de herói ainda em construção, porém não consegue roubar as cenas, talvez por uma ainda falta de carisma. Muito se fala de Johnny Depp e que seu índio seria uma versão terrestre do inconfundível pirata Jack Sparow. Em partes, receio que seja uma injustiça. É claro que se tem uma e outra semelhanças, todavia o ator não falha em lhe dar uma identidade própria e adicionar a ele gestos mais comedidos, comovente olhar melancólico e maior carga dramática por conta de ressentimentos e culpa por se sentir responsável pelo extermínio de seu povo. Quanto ao resto do elenco, algum se sobressai, mas nada que chame tanta atenção – apenas cumprem com sua missão. A escolha do par romântico do Cavaleiro foi desastrosa: além de um rosto fora dos padrões de beleza mais clássicos, não se cria um grande vínculo entre eles, e o público se mostra apático para com o casal. Um baita tiro errado.

Em suma, “O Cavaleiro Solitário” cumpre a tarefa de entreter, mas dificilmente vá além disso. É uma boa pedida para pessoas que já passaram dos seus 50 anos relembrarem do significado do personagem na sua infância. Quanto à geração atual, talvez se interesse por conta de Depp estar no elenco, mas acredito que pouco mais deva aguçar a curiosidade deles, senão os efeitos especiais e as grandiosas sequências de ação. Não custa nada conferir, posto que, por conta de seu estrondoso fracasso comercial, certamente a Disney não investirá numa possível continuação. O grito de ordem “Hi-yo Silver”, infelizmente, ficou arranhado na garganta.

Nota: 6,0.

O Homem de Aço (Análise e Crítica)

Em suma, acerta-se bem mais que se erra. E mesmo com algum marasmo em seus 132 minutos (desconsiderando os créditos finais) é uma obra que cumpre o seu papel de divertir.O resultado final é muito bom, e de fato conseguiram dar uma nova energia à mitologia do Super-Homem.

Com o sucesso crítico e comercial da franquia conhecida como O Cavaleiro das Trevas, a Warner Bros, empresa que detém os direitos dos principais personagens da DC Comics, soube que tinha em suas mãos a chance de criar um universo coeso e interligado, tão como fez a concorrente Marvel com o projeto que culminou no fenômeno “Os Vingadores”. Todavia, existiam alguns empecilhos: o fracasso do longa “Lanterna Verde” (2011), a gama de personagens não tão prestigiados da editora e o seu maior ícone, para completar, teve a sua imagem associada quase que eternamente a Christopher Reeve. Toda a equipe, então, adquiria um desafio enorme em suas mãos: como [re]contar a história de Superman e dar a sensação de que tudo se parte do zero?

Em uma de suas entrevistas, Christopher Nolan – diretor da última trilogia do Batman e produtor executivo de “O Homem de Aço” – expressou o quanto estava sendo difícil essa tarefa, até pelo fato de encontrar um inimigo também imbatível e que pudesse duelar mano a mano com o herói, impossível de ser abatido por ter poderes ilimitados. Encontrar o ator e o diretor ideais se tornou igualmente uma árdua empreitada. Entretanto, ao assistir à película, tem-se a impressão de que boa parte dos anseios de Nolan foi almejada.

A história já é mais que batida e se diferencia em determinadas partes da narrada em “Super-Homem – O Filme” de 1978, só que agora a despretensiosa aventura cede lugar a um ensaio futurístico de ficção científica. Graças ao desequilíbrio ambiental promovido pelos nativos, o planeta Krypton está preste a ser extinto e um de seus líderes, Jor-El (Russel Crowe), alerta o Conselho sobre o problema, mas não é ouvido. Numa tentativa de salvar o seu habitat, um dos guerreiros mais valentes, o general Zod (Michael Shannon), se rebela contra o sistema, é acusado de traição e recebe a sentença de passar 300 anos na Zona Fantasma. Antes disso, porém, Zod mata Jor-El, que há minutos enviara em uma nave seu filho Kal-El (Henry Cavill) em direção à Terra. Ao chegar aqui, o bebê é encontrado pelo casal Jonathan e Martha Kent (Kevin Costner e Diane Lane), que cria o menino, percebe seus dons e lhe nomeia Clark Kent. Quando Zod e seus asseclas, entretanto, fogem e vêm à Terra para encontrar Kal-El, a humanidade que o acolheu corre o sério risco de desaparecer.

Por ser um filme de origem, é na primeira hora que basicamente se tenta explorar as relações entre os núcleos da trama e o espectador vai se familiarizando com eles, principalmente criando empatia pelo protagonista. Começando em Krypton, os excelentes efeitos especiais criam um local exótico, sofisticado e tecnológico – embora frio, principalmente por conta da formalidade entre os habitantes. Passado este primeiro ato, a narrativa salta e se torna não linear, e logo já somos apresentados ao Clark adulto – um homem sério, excluído e solitário. Sua infância e juventude são relembradas pelo recurso do flashback com atores mais jovens e até com o próprio Cavill, o que torna a história mais dinâmica e menos didática.

Até então o roteiro cumpre bem o seu papel e mostra uma trama objetiva e sem rodeios. Ele descobre a verdade de sua origem e a aceita. Há, atualmente, a tendência de o herói rechaçar o fardo de sua missão ou por não se sentir capaz ou por não querer abrir mão de sua vida. Mas, por talvez já estar ciente do que era, Clark veste o uniforme, dá seus primeiros voos e não teme o que virá pela frente. Dessa forma, o texto escrito por David S. Goyer, baseado em elementos recentes de hq’s do kryptoniano, ganha dinamismo e até certa originalidade.

Além do perfil do protagonista, outros elementos se destoam das versões mais clássicas, e um deles é Lois Lane (Amy Adams), que deixa de ser aquela repórter inteligente mas que nunca percebe que o homem pelo qual é apaixonada trabalha com ela na mesma repartição para ser mais descolada, perspicaz e corajosa. Tanto que logo conclui que Clark e Superman são as mesmas pessoas, e ele nem se preocupa com esconder os fatos. Sua audácia é tamanha que parte dela, numa daquelas viradas sem sentido que sempre existem nos roteiros, a ideia de salvar o mundo do ataque de Zod, um vilão de personalidade e propósitos muito parecidos com o interpretado por Benedict Cumberbatch, em “Star Trek – Além da Escuridão”: algumas de suas razões são legítimas, sendo, contudo, a maneira de as executar questionável e o que faz dele o antagonista.

O filme ganha mais movimento no último ato, cheio de sequências de embates homéricos entre as duas partes. Socos, prédios desabando e voos parecem querer compensar aqueles que esperavam há décadas por lutas contra um inimigo de peso, em uma megalomania de efeitos especiais. Alguns criticam negativamente Zack Snyder, alegando que essa destruição exagerada muito lembra a de “Transformers – O Lado Oculto da Lua”. Eu discordo. Enquanto Michael Bay se apoiou em mais de uma hora de efeitos e sequências intermináveis para se desculpar por um roteiro totalmente inócuo, em “O Homem de Aço” o diretor contextualiza essas tomadas, que não são desnecessárias e não poderiam ser menos grandiosas, afinal são dois deuses.

Ainda na parte técnica, a trilha sonora de Hans Zimmer embala todo o projeto em perfeita harmonia, atribuindo tensão ou candura, se o momento pedir. Mesmo ainda que se sinta falta do tema clássico composto por John Williams, Zimmer atualiza suas canções na medida que também se atualizou o herói. Sob a batuta de Nolan, Zack Snyder, já acostumado em adaptar super-heróis, faz bonito na direção, acerta nos ângulos abertos e finalmente abre mão daquela câmera lenta tão característica em seus trabalhos: em um filme ágil, esse recurso não caberia.

Quanto ao elenco, todos estão muito bem encaixados em seus papéis. Crowe rouba todas as cenas em que participa, ótimo como o prudente Jor-El; Shannon compõe um típico vilão que achou o lugar correto entre o caricaturesco e a convicção; Costner, apesar de aparecer menos que deveria, incorpora com talento o sujeito pacífico e racional que procura defender seu filho dos males do mundo; e Cavill interpretou com firmeza seu primeiro grande protagonista, embora suas falas não sejam as mais impactantes e ele apresente em certos momentos desconforto, assim como gestos e caras emburradas não muito convincentes. No entanto, depois de Reeve, é o melhor Clark Kent/Superman de que temos notícia.

Embora muitas vezes seja uma apologia a Jesus Cristo (ter 33 anos, ser uma espécie de messias, o grande salvador...), retratou-se o clássico herói por uma nova perspectiva, diferente da perfeição, e o final escolhido prova isso, e talvez por essa razão possa não agradar aos mais ortodoxos. O realismo de Nolan evidencia que estamos numa nova era em que maniqueísmos e inércias não podem existir – que, apesar dos sentimentos de ética e culpa, somos capazes de atos desesperados e com duras consequências.

Em suma, acerta-se bem mais que se erra. E mesmo com algum marasmo em seus 132 minutos (desconsiderando os créditos finais) é uma obra que cumpre o seu papel de divertir, ainda que não haja situações humoradas, posto que o filme possui um viés mais adulto (e se esperaria outra coisa de Nolan?). O resultado final é muito bom, e de fato conseguiram dar uma nova energia à mitologia do Super-Homem e esperança aos fãs de em breve vermos Liga da Justiça nas telonas. Mas muita água ainda falta passar por essa ponte... Salve, Nolan!

Nota: 8,0.